Prix SoBD Neuvième Art

Tous deux Argentins exilés en Europe dans les années 1970, José Muñoz et Carlos Sampayo ont construit ensemble au fil des années une oeuvre dont la singularité narrative et graphique marque la bande dessinée de la fin du XXe siècle et du début du XXIe. Souvent décrit comme une rupture radicale avec les usages habituels, leur travail s’enracine pourtant dans une tradition ressentie comme définitivement classique, une bande dessinée fondée sur l’illusion de la réalité qui décline les différents genres de la fiction d’aventure.

Ce livre entreprend d’étudier ce paradoxe, en replaçant l’oeuvre des deux auteurs dans la tradition qui lui donne naissance, des adventures strips étasuniens à leur réappropriation dans l’industrie de la bande dessinée argentine d’après-guerre. Quels mécanismes de déconstruction des normes esthétiques, narratives et thématiques utilisent le dessinateur et le scénariste ? Comment leurs bandes dessinées entrent en résonance avec le contexte historique ? Comment d’autres formes d’expression – musique, littérature, cinéma, poésie – ont influencé ces deux auteurs et leurs créations ?

Dans le langage courant, le professeur Nimbus incarne l'image du scien- tifique farfelu et tête en l'air. Mais qui se souvient qu'il fut le héros d'une bande dessinée sans paroles et non des moindres ? Les Aventures du professeur Nimbus fut en effet le premier comic strip de création française à s'imposer dans la presse. Publié quotidiennement depuis sa création en 1934 et pendant une soixantaine d'années, il s'exporta même dans une cinquantaine de pays. Créé au sein d'une jeune agence de presse, Opera Mundi, dirigée par Paul Winkler, il est l'oeuvre d'un dessinateur nommé André Daix qui créera son propre studio et développera d'autres séries de bandes des- sinées. Mais derrière le succès de ce strip, se cache une autre histoire : celle des rapports tortueux entre l'homme de presse et le dessinateur qui revendiqua très tôt des droits sur sa création que l'agence lui dé- niait. La défaite de 1940 et l'occupation de la France par les Allemands va rebattre les cartes.

Will Eisner est un maître de la bande dessinée. Durant des années, il s'est réuni pour discuter avec d'autres maîtres du comics. De ces rencontres, il en est résulté une collection d'informations vitales pour tous ceux qui travaillent dans l'industrie, et indispensables pour tous ceux qui cherchent à y entrer. Will Eisner s'est entretenu avec Jack Kirby, Joe Simon, Gil Kane, Joe Kubert, Jack Davis, Neal Adams, C. C. Beck, Milton Caniff, Gill Fox, Harvey Kurtzman et le gourou de la distribution Phil Seuling. Shop Talk est une mine d'informations sur la bande dessinée. Entre anecdotes et secrets de conception, Will Eisner présente l'envers du décor, celui qui passionne chaque amoureux du 9e Art soucieux de comprendre comment une oeuvre prend forme. Cette édition comprend une introduction spécialement écrite par Denis Kitchen pour la version française.

Alberto Breccia, l’un des auteurs de bande dessinée les plus importants du XXe siècle, a brisé les codes et révolutionné le genre. Faisant figure de précurseur, il a enrichi le neuvième art d’un sens nouveau et en a élargi les potentialités narratives. Les entretiens recueillis dans ce volume, fruit de conversations menées à bâtons rompus entre le dessinateur et le scénariste Juan Sasturain, dévoilent les multiples facettes du créateur en même temps qu'un homme au caractère intègre, tendre et doux, mais aussi têtu et caractériel. Un homme qui s’est fait tout seul et sans détours, unique et inoubliable. Longtemps restées enfouies dans les archives de Sasturain, ces confidences enregistrées sur cassettes ont depuis fait l’objet de retranscriptions fidèles, classées par thèmes : ses premiers pas dans la profession, ses relations avec confrères et éditeurs, ses intérêts, influences, sources visuelles et littéraires mais aussi la genèse de ses histoires, sa conception du travail de dessinateur et enfin sa vision de la bande dessinée comme moyen d’expression à part entière. Le tout forme un éclairage incomparable et souvent inédit à la fois sur l’artiste et sur l’homme. Les textes de Breccia sont accompagnés d’un grand nombre d’illustrations, la plupart encore jamais présentées, et d’un corpus de notes permettant de familiariser le lecteur français avec les situations et les personnages qu'y sont évoqués. Une chronologie détaillée situe pour finir l’œuvre de Breccia dans son contexte historique.

Pour son septième livre avec les éditions PLG, Benoît Barale investit la collection Mémoire vive et revient sur son parcours atypique, entre réflexions, confessions, planches inédites et scènes coupées. Ce livre est à la fois une autobiographie en bande dessinée, mais surtout une réflexion sur le métier d'auteur de bandes dessinées. «Lire et faire des bandes dessinées ont toujours été pour moi deux actes intimement liés. J'en lis depuis que je sais lire, j'en fais depuis que je sais écrire. Très tôt, je décidai de consacrer ma vie exclusivement au neuvième art. Je suis entré dans la bande dessinée comme on entre en religion.»

KRAZY ! Folle entreprise, en effet, que la biographie d'un des auteurs les plus influents mais aussi les plus secrets de la bande dessinée. Influent ? Des auteurs phares comme Will Eisner, Charles Schulz, Patrick McDonnell, Bill Watterson ou Chris Ware ont abondamment commenté leur dette envers Herriman, et Krazy Kat a été classé premier, en 1999, par le Comics Journal, des 100 meilleurs comics américains du XXe siècle. Mais son rayonnement, traversant le monde des lettres et des arts, dépasse largement le cercle de la bande dessinée.

Précurseurs des séries télévisées, les histoires à suivre qui paraissaient en bandes dessinées dans des hebdomadaires pour la jeunesse tels que Le Journal de Tintin, Spirou ou Tarzan ont tenu en haleine les jeunes lecteurs de l'après-guerre et façonné leur imaginaire. Jusqu'à ce jour, elles n'ont cependant pas fait l'objet d'études détaillées. Richement illustré, cet ouvrage se propose de divulguer une production foisonnante et emblématique de la culture populaire de la période 1946-1959 en l'envisageant sous l'angle de l'histoire de la bande dessinée, de l'étude du récit et de l'intermédialité. Les auteurs y soulignent notamment les liens entre BD et cinéma, tant sur un plan théorique (logique du feuilleton, rythme narratif, découpage de l'action) qu'analytique (adaptations de films en BD). 

Depuis leur création, les vignettes contenues dans les emballages entourant les chewing-gums Malabar ont fait l'objet d'un travail attentif de la part des publicitaires, soucieux de fidéliser au mieux leur jeune clientèle. Après les décalcomanies, les créatifs s'investissent dans la bande dessinée en 1977, en faisant appel à Maurice Rosy, homme à idées du Journal de Spirou récemment débarqué à Paris pour débuter une nouvelle carrière d'illustrateur. Après lui, beaucoup d'artistes continueront à animer l'amusant Malabar, et parmi eux, certains des plus grands noms du 9e art tels François Avril ou Frank Margerin. Baignées de nostalgie mais aussi témoins de l'histoire commune que partagent l'illustration et la publicité, ces rares bandes dessinées sont aujourd'hui réunies, agrémentées de croquis et d'inédits, dans cet ouvrage dense et ludique. Alain Lachartre, ancien directeur artistique de la marque et amateur éclairé de dessin, en retrace, vignette après vignette, la trajectoire.

Jugés « éblouissants de verve et d’esprit » par Goethe, les albums de Rodolphe Töpffer sont aujourd’hui considérés comme les premières bandes dessinées. Publiées en pleine époque romantique, ces « histoires en estampes » jetaient les bases d’une nouvelle forme de littérature, vouée à la fiction satirique et fondée sur la coopération entre le texte et l’image. Le succès de M. Jabot, M. Vieux Bois ou du Dr Festus fut immédiat : imités, contrefaits, traduits en plusieurs langues, ils se frayèrent même la voie des États-Unis, la future patrie des comics. Töpffer est aussi l’auteur de romans, de savoureux récits de voyage, de pièces de théâtre et d’essais sur l’art. Parmi ces derniers, il faut distinguer un important corpus de textes consacrés à la caricature et sa propre pratique de dessinateur. Non content d’avoir créé les conditions de la bande dessinée moderne, Töpffer en fut aussi le premier théoricien. Ce sont ces textes qui sont ici réunis, introduits par une étude fouillée et pénétrante qui replace le créateur genevois dans une continuité historique, détaille les circonstances de son « invention » et analyse les principaux ressorts de ses histoires, dont la folle gaieté est toujours agissante sur les lecteurs d’aujourd’hui.

Né en 1883, mort en 1968, Gus Bofa a traversé deux siècles, vécu deux guerres mondiales et vu les débuts de l'automobile, de l'aviation et de la conquête spatiale. Revenu infirme de la Grande Guerre, il voue sa vie, non à la poursuite de la gloire et de la fortune, mais à la pratique de vices délicieux et antisociaux : le dessin, l'écriture et la lecture. Timide, il donne son amitié aux bêtes et contemple de ses yeux bleus d'enfance la faillite d'une humanité qui fuit la peur du néant de désastres intimes en catastrophes bruyantes. Au fil de cinquante ans de carrière, et au gré de sa fantaisie, cet artiste autodidacte dessine pour la presse, réalise des affiches publicitaires, écrit des articles et des contes, des revues et des pièces de théâtre, se fait critique dramatique et littéraire, fonde un Salon artistique, et illustre plus d'une cinquantaine de livres. Après avoir mis en images le fantastique social de Pierre Mac Orlan et donné sa vision personnelle, parfois acide, des grands classiques, il associe ses propres textes et ses dessins dans une suite d'albums souvent introspectifs, toujours désillusionnés. Respecté de ses contemporains pour son talent et son intransigeance, Gus Bofa, qui a influencé nombre d'auteurs de bande dessinée, n'en est pas moins aujourd'hui oublié et du public et de la critique. Cette biographie, la première qui lui soit consacrée, tente de percer le mystère de l'homme et de l'artiste, en le mettant en scène dans sa vie, son métier et son époque.